Nezrejmé dôvody, prečo niektoré filmy milujeme a iné ťažko tolerujeme

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Naposledy zmenené: 2023-12-17 04:09

Jemnosť strihu, kamerové techniky a ďalšie triky, ktoré vám umožnia precítiť atmosféru.

Najčastejšie sa pri diskusii o kine hovorí o zápletke a hereckom výkone. Samozrejme, toto sú dôležité súčasti každého filmu. Stáva sa však, že nemôžete odtrhnúť oči od obrazu, hoci sa akcia vyvíja veľmi pomaly a ďalší príbeh aj napriek množstvu udalostí rýchlo začne nudiť. Niektorým autorom sa darí primäť diváka, aby veril v tie najfantastickejšie zvraty, iným sa dokonca aj reálne situácie páčia ako hračky. A je pekné sledovať niektoré pásky, zatiaľ čo iné sú ťažké.

Ide o to, že okrem námetu a hercov existuje veľa zaujímavých techník, ktoré režiséri používajú, aby pomohli divákovi precítiť akciu a vychutnať si to, čo sa deje na obrazovke. Tieto jemnosti si možno ani nevšimnete, ale stále výrazne ovplyvňujú vnímanie obrazu.

Farebné spektrum

Prvá vec, ktorú si treba všimnúť, je, že farby vo filmoch často vôbec nie sú rovnaké ako v skutočnosti. Môže to byť celkom zrejmé (napríklad ak je obrázok čiernobiely), alebo si to hneď neuvedomíte. Ale to nie je náhoda.

Vytváranie atmosféry

Pomocou farieb dokážete lepšie sprostredkovať atmosféru toho, čo sa deje, navodiť divákovi náladu a dokonca ukázať pocity samotných postáv.

Vezmite si ako príklad populárnu franšízu X-Men. V hlavnej sérii filmov sa jasný a bohatý obraz podobá komiksu. A oproti nim v noir „Logan“, kde sa hovorí o starobe a únave hrdinu, sú zvolené bledšie tóny.

Záber z filmu "X-Men: Apocalypse"

Záber z filmu "Logan"

Vo filme "Mad Max: Fury Road" sa väčšina deja odohráva v horúcej púštnej oblasti. Je logické, že obraz bol nakrútený v žlto-oranžových odtieňoch, z ktorých cítiť pražiace slnko a sucho.

Pre prehľadnosť si môžete vziať rám a zmeniť farebnú schému. Hneď sa bude zdať, že sa ochladilo.

Záber z filmu "Mad Max: Fury Road"

Rovnaký rám, ale v studených farbách

Na vytvorenie kontrastného obrazu sú moderné trháky a vo všeobecnosti masové kiná vyrobené viac do modra a oranžova.

Ale slávny Wes Anderson miluje jemne ružovkastú paletu. Dáva divákovi pocit starého romantického filmu. A všetko, čo sa deje, vnímame pokojnejšie a ľahšie.

Keď chcú navodiť atmosféru budúcnosti a fantázie, často sa obracajú aj na modrý rozsah. A milujú najmä neónové farby, ktoré sú v hlave diváka pevne spojené s kyberpunkom a technológiami.

Netreba dodávať, že tvorcovia hororových filmov preferujú tmavé farby. Má to viacero dôvodov. Samozrejme, je to čiastočne spôsob napumpovania atmosféry. Veľa ľudí sa už tmy bojí a v hororoch sa v nej ukrývajú aj príšery.

Okrem toho tmavý obrázok umožňuje mierne skryť nedokonalosti grafiky alebo make-upu a ušetriť na výrobe. Je pravda, že v tom je nebezpečenstvo: ak príliš stmavíte rám, divák jednoducho neuvidí, čo sa deje na obrazovke, najmä v zlom kine alebo na starom televízore. Tak to bolo napríklad vo filme Slenderman z roku 2018.

Aj keď niektorí pôvodní režiséri môžu hrať v kontraste. Napríklad Ari Astaire vo filme Slnovrat ukázal typickú atmosféru hororového filmu: hrdinovia sa ocitnú v izolovanej dedine, kde sa dejú hrozné veci.

Ale zároveň je obraz veľmi jasný, nie sú v ňom takmer žiadne tmavé scény a oblečenie hrdinov je snehovo biele. A o to je to ešte strašidelnejšie, pretože pred hrôzou sa niet kam skryť.

Oddelenie častí pozemku

Jeden film môže mať niekoľko rôznych farebných filtrov. Používajú sa na jasnejšie oddelenie dejových línií. A so správnym talentom tento prístup pomáha rozjasniť obraz.

Matrix je skvelým príkladom. Logo tejto pásky bolo vytvorené so zelenými kódovými symbolmi, ktoré označujú program, v ktorom ľudia žijú. Preto sa všetko, čo sa deje vo virtuálnom svete, natáčalo cez zelenkastý filter. A skutočné udalosti sú zobrazené modrou farbou.

Scéna z filmu "Matrix", akcia vo virtuálnom svete

Scéna z filmu "Matrix", akcia v skutočnom živote

A až v samom závere tretieho dielu, keď ľudia a stroje uzavreli mierovú dohodu, sa v rámčeku objavia súčasne čisto modré a zelené farby.

V Počiatku Christophera Nolana sa postavy presúvajú zo skutočného sveta spať, potom spať v spánku atď. Pre jasnejšie oddelenie „vrstiev“zvolil režisér pre každú z nich vlastnú farebnú schému.

Záber z filmu "Inception", prvý sen

Záber z filmu "Počiatok", druhý sen

Záber z filmu "Počiatok", tretí sen

Na prvej úrovni spánku je všetko natočené v modrej palete, druhá je žltá, tretia je biela. A až v poslednom sne sa všetky odtiene opäť spoja ako v skutočnom svete.

V Blade Runner 2049 od Denisa Villeneuvea rôzne farby odzrkadľovali umiestnenie aj vnútorný stav hlavného hrdinu.

Záber z filmu "Blade Runner 2049"

Záber z filmu "Blade Runner 2049"

Záber z filmu "Blade Runner 2049"

Záber z filmu "Blade Runner 2049"

Všetko to začína putovaním postavy Ryana Goslinga v hmle, potom prechádza horúcou oranžovou púšťou, neónovým futurizmom a nočnou záplavou. A príbeh končí na snehobielom pozadí, odrážajúc pokoj a očistu.

Odmietnutie farby

Kedysi boli všetky filmy čiernobiele. Jednoducho preto, že nevedeli inak strieľať a rámy bolo možné farbiť iba ručne. Potom prišli farebné filmy a kinematografia sa stala oveľa realistickejšou.

No zároveň čiernobiela fotografia nie je úplne minulosťou. Na umelecké účely sa využívajú dodnes. Napríklad na vymedzenie rôznych svetov alebo dejových línií.

Takže v "Čarodejníkovi z krajiny Oz" v roku 1939 sa farba objaví, keď Dolly vstúpi do rozprávkového sveta.

Ešte z filmu "Čarodejník z krajiny Oz", obyčajný svet

Ešte z filmu "Čarodejník z krajiny Oz", krajina rozprávok

V „Stalkerovi“od Andreja Tarkovského farby absentujú aj v bežnom živote hrdinov. A keď sa postavy dostanú do mystickej „Zóny“, svet sa rozjasní – práve tu sa ľudia skutočne odhalia.

Alebo ten istý Christopher Nolan na páske „Pamätajte“ukázal jednu časť akcie v priamom poradí a druhú - naopak. Polovica filmu je preto natočená farebne a druhá čiernobielo.

Ešte z filmu "Pamätaj", priama objednávka

Ešte z filmu „Pamätajte“v opačnom poradí

Čiernobiely obraz navyše umožňuje živšie zvýrazniť určité detaily jednoduchým pridaním farby. Prvýkrát to urobil Sergej Ejzenštejn, keď ručne namaľoval vlajku na bojovej lodi Potemkin v roku 1925.

Následne bola táto technika použitá v úplne iných žánroch. V Schindlerovom zozname Stevena Spielberga sa vzhľad dievčaťa v červenom kabáte stáva jedným z najemotívnejších momentov.

A aj v komiksovom filme Sin City je tento prístup použitý opakovane s dôrazom na červený rúž, svetlé oči či krv.

Konštrukcia rámu

Pravidlo tretín

Jeden zo základných princípov filmu aj fotografie. To je niečo ako zjednodušené pravidlo „zlatého rezu“.

Je to jednoduché: pri snímaní je obrazovka rozdelená na tri časti vertikálne a horizontálne. Najdôležitejšie prvky pre pozemok by sa mali nachádzať na týchto líniách, ako aj na ich križovatke. To divákovi uľahčí zameranie sa na požadované body.

Umiestnite do štvorca

Ak podmienečne rozdelíte rám na polovicu alebo na štyri rovnaké časti, môžete divákovi prinútiť pochopiť bez slov, aké miesto postava v príbehu zaberá.

Táto technika je najzreteľnejšie viditeľná vo filme „Drive“od Nicholasa Windinga Refna. Napríklad, ak je tvár hlavnej postavy zobrazená v ľavom hornom rohu a v ďalšom rámčeku sa na rovnakom mieste objaví iná postava, potom je to náznak, že postavy budú rivalmi.

Navyše ten istý Refn dokáže paralelne rozprávať dva príbehy: v hornej a dolnej časti obrazovky alebo v ľavej a pravej polovici. Divák si tento pohyb možno nevšimne, no aj tak bude vnímanie postáv ucelenejšie. Navyše je jednoducho nádherný.

Symetria

Ďalšia psychologická a estetická technika zároveň. Často sú zábery, kde ľavá polovica odráža pravú polovicu robené len pre krásu.

Ale niekedy sprostredkujú opozíciu postáv. A ak sa hrdina pozrie do zrkadla, ukáže jeho temnú stránku alebo rozdiel medzi snami a realitou. Skrátka akákoľvek alegória, ktorá sa dá vymyslieť na úvahy.

Ešte z filmu "2001: Vesmírna odysea"

Záber z filmu "The Shining"

Záber z filmu "Joker".

Holandský kútik

Aby ukázali nestálosť hlavného hrdinu, jeho pochybnosti o niečom alebo problémy s pamäťou, používajú veľmi vizuálnu techniku. „Holandský uhol“znamená, že fotoaparát nesníma rovno, ale naklonený. Mnoho príkladov tohto prístupu možno nájsť vo filmoch Dannyho Boyla.

Pre diváka je nezvyčajné pozerať sa na obraz z uhla, takže lepšie vníma nepríjemný stav postavy.

Tu je však dôležité dodržať opatrenie. Napríklad katastrofálny film „Battlefield: Earth“bol natočený celý pod uhlom. Ale o hodinu a pol bude diváka s najväčšou pravdepodobnosťou len bolieť krk.

Streľba zdola a zhora

Ďalšia z jednoduchých, ale účinných techník, ktorá vám umožní sprostredkovať sebapocit hrdinov. Môžete tak napríklad ukázať, kto je pánom situácie. A hneď si spomeniem na kazety Quentina Tarantina, kde sa postavy pozerajú dole do kufra.

Záber z filmu "Od súmraku do úsvitu"

Záber z filmu "Reservoir Dogs"

A streľba zhora vo vás vyvoláva pocit, že hrdina sa cíti neisto. Takto vtipne to zahrali v známej scéne z filmu „O čom muži hovoria“, kde sa postava Kamila Larina ako dieťa ospravedlňuje vrátnikovi v drahej reštaurácii:

Dialóg a pohyb

Akcia na pozadí

Technika, ktorá sa najčastejšie používa v komédii alebo horore. V popredí sa nedeje nič zaujímavé. A všetko najdôležitejšie sa odvíja na pozadí, ktoré môže byť stmavené alebo rozmazané.

Napríklad hlavný hrdina filmu „Zombie Called Sean“ide do obchodu. Všetko je pre neho veľmi všedné. A v pozadí je skutočná apokalypsa:

V závislosti od žánru a podania to môže vytvárať buď veľmi vtipný efekt, alebo napätie – v hororoch sa tak často skrývajú hlavní krikľúni.

Rozhovory v pohybe

Najbežnejším typom dialógu vo filmoch je, že postavy sedia a rozprávajú sa. Fotoaparát v tomto prípade tradične prepína medzi tvárami.

Ak ale scéna trvá príliš dlho, tak diváka omrzí neustále opakovanie rovnakých uhlov. Dobrí režiséri preto kulisy takýchto scén buď dopĺňajú, alebo menia.

Vo filmoch Quentina Tarantina teda postavy hovoria takmer neustále. Ale majster vás nenechá nudiť, pretože dialógy môžu prebiehať aj počas jazdy. Vďaka neustálemu striedaniu pozadia nepôsobí akcia monotónne.

A aj keď sú postavy v jednej miestnosti, kamera sa len tak neprepne. Môže sa okolo nich pohybovať a vytvárať efekt prítomnosti a dokonca účasti na rozhovore. Takmer všetky postavy je možné vidieť bez zbytočných úprav.

Nicholas Winding Refn dokáže v jednoduchej konverzácii využiť už spomínanú hru s farbou a odrazom. Zdá sa, že v Drive vyzerá prvý dialóg protagonistov veľmi jednoducho.

No zároveň je postava Ryana Goslinga vždy na modrom pozadí (táto farebná schéma ho sprevádza celým filmom). A hrdinka Carey Mulligan stojí pri oranžových stenách. A to ukazuje, že ich niečo oddeľuje, aj keď sú blízko.

Pravidlo 180 stupňov

Pri nakrúcaní je ešte jeden dôležitý bod. Ak pri zmene uhla pohnete kamerou o viac ako 180 stupňov, divák bude zmätený. Napríklad, keď hrdina beží, bude to vyzerať, že sa otočil a ide opačným smerom.

A to je rovnako dôležité aj počas dialógov. Aby nevznikol dojem, že sa všetci v zábere prudko pohli, operátor a režisér volia určitú hranicu, za ktorú by kamera nemala ísť.

Je zvláštne, že úmyselné porušenie tohto pravidla môže byť použité len na zmiatie diváka, na preukázanie zmätku hrdinu. A s patričnou fantáziou autori vytvárajú nezvyčajnejšie scény. Napríklad rozhovor Gluma so sebou samým. Postava je jednoducho zobrazená z rôznych strán, ale to vytvára efekt, že sú dvaja rečníci a vedú dialóg.

Funkcie inštalácie

Strih vám umožní zdynamizovať dej filmu, „preskočiť“nudné momenty života a umožní vám pozrieť sa na dianie z rôznych uhlov pohľadu. Jeho najjednoduchšia forma je rozprávanie. To znamená, že udalosti v rámci sa odohrávajú jedna po druhej. Najjasnejšie to bolo vysvetlené v The Man from Boulevard des Capucines.

Udalosti vo filme však môžete zobraziť iným spôsobom a na to používajú rôzne techniky.

Paralelná inštalácia

Na rozdiel od sekvenčného rozprávania niekedy autori chcú, aby publikum videlo, čo sa deje v rovnakom čase na rôznych miestach. A potom sa režiséri obracajú na paralelný strih.

Vďaka tomu je dej dejovejší. Treba si však dávať pozor. Ak totiž postupne ukážete scény, ktoré sa vyskytujú v rovnakom čase, môžete nadobudnúť dojem, že každá z nich trvá dlhšie.

Pozoruhodným príkladom neúspešnej paralelnej úpravy je „Furious-6“. Hrdinovia sa snažia utiecť v lietadle, ktoré letí po pristávacej dráhe, autá ich prenasledujú a vo vnútri parníka sa odohráva boj.

Autori predvádzajú toľko udalostí naraz, že na obrazovke sa zdá, že lietadlo zrýchľuje aspoň 15 minút. Netreba dodávať, že to zabíja všetok realizmus situácie?

Christopher Nolan je na druhej strane všeobecne považovaný za majstra paralelného strihu. Režisér ho používa v mnohých svojich dielach, no Počiatok je najlepším príkladom. Udalosti na rôznych úrovniach spánku sa vyskytujú súčasne a rôznymi rýchlosťami (v hlbšom spánku sa čas pohybuje pomalšie).

Tu sa k akcii pridáva už spomínaná separácia farieb a divák sa v dianí nemotá, ale uvedomuje si celú globálnosť diania.

Mimochodom, je zaujímavé, že vo filme „Dunkirk“je Nolan s touto technikou ešte vtipnejší. Paralelne zobrazuje udalosti odohrávajúce sa na zemi, vo vode a vo vzduchu. V skutočnosti je chronológia úplne iná a všetko sa zbieha až vo finále.

Flashbacky a Flash Forwardy

Niekedy autori do lineárneho príbehu hrdinov vkladajú svoje spomienky z minulosti – flashbacky. Môžu to byť veľmi krátke niekoľkosekundové záblesky alebo celé dejové línie.

Veľkým fanúšikom takýchto momentov je Jean-Marc Vallee. Do zdanlivo pokojných scén tak dodáva napätie. Alebo dá jasne najavo, že postava niekoho klame: povie jednu vec, no v spomienkach sa mu objaví niečo úplne iné.

Nie je ťažké uhádnuť, že flashforwardy sú tie isté príbehy, ale z budúcnosti. Používajú sa menej často, zvyčajne v sci-fi alebo mystických príbehoch. Na takejto technike dokonca postavili celú sériu, kde pri určitom zatmení každý videl nejaký moment zo svojej budúcnosti.

A ďalej na zápletke sa každý snaží zistiť dôvody toho, čo sa stalo, a pochopiť význam svojich vízií. Séria bola pomenovaná takto: Flashforward (v ruskom preklade - "Pamätajte si, čo sa stane"). Pravda, vydržal len jednu sezónu.

Skokový strih

Táto technika už platí pre lineárne úpravy. Znamená to ostrý prechod medzi rámami. Používajú ho na úplne iné účely.

V Little Shop of Horrors Franka Oza takáto montáž pomáha ukázať dlhé a nudné plynutie času.

Ale Lars von Trier, ktorý vo svojich dielach často používa aj jump-cut, týmto spôsobom sprostredkúva emocionálny stres a psychickú nestabilitu postáv. Pri takomto fotení je obraz „nervóznejší“. Na páske „Idioti“je to veľmi vhodné:

Úprava tvaru a zvuku

Aby boli rôzne udalosti zobrazené vo filme vnímané ako vzájomné pokračovanie, autori často využívajú vizuálne zhody okolností. To znamená, že obrysy nejakého objektu v jednom snímku sa opakujú v ďalšom. A niekedy to môže vyzerať veľmi vtipne.

Rovnako tak môžete diváka „zaháčkovať“zvukom. Krik pokračuje píšťalkou parníka a industriálny rachot strieda hudba rovnakého tempa. Alebo sa syčanie poškodenej rúry zmení na praskanie pečeného mäsa.

Okrem toho môže zvuk mierne predstihnúť alebo zaostať za tým, čo sa zobrazuje na obrazovke. Toto sa robí preto, aby boli scény viac prepojené. To znamená, že divák stále počuje reč a šušťanie z predchádzajúceho rámu, ale akcia sa už zmenila. Alebo naopak.

Nedostatok inštalácie

Ide o odvážny krok: režiséri natáčajú dlhé scény úplne bez strihu, prípadne to rôzne skrývajú.

Vďaka tomu je dianie na obrazovke realistickejšie, dáva divákovi pocit tempa samotného príbehu. Ale, samozrejme, tento prístup si vyžaduje oveľa viac skúšok a investícií. Koniec koncov, počas spracovania môžete vystrihnúť neúspešné maličkosti.

Takže Joe Wright vo filme "Atonement" ukázal päťminútovú scénu s evakuáciou jednotiek z Dunkerque počas druhej svetovej vojny. Do davovej scény sa zapojilo 1 300 ľudí, v ráme sa pohybovalo vybavenie a v pozadí dochádzalo k výbuchom. Práve tento prístup vyjadruje všetku ponurosť a chaos toho, čo sa deje.

Moderné technológie umožňujú presnejšie zvládnuť inštaláciu. A pomohlo to Alejandrovi Gonzalezovi Iñarritovi zastreliť Birdmana. V ňom si ani hneď nevšimnete, že celá akcia je zobrazená v jednom súvislom ráme.

V skutočnosti tam montáž je, ale je skrytá. Spoje sa vytvárajú, keď kamera prechádza cez nejaký tmavý prvok.

A „Ruská archa“od Alexandra Sokurova vyzerá ešte silnejšie. Dej sa odohráva v Ermitáži a režisér dostal jeden deň na natáčanie. Preto sa rozhodol natočiť obrázok bez lepenia.

Trvalo to sedem mesiacov skúšok s 800 komparzistami. Výsledkom bolo, že od tretieho záberu nakrútili celý film s trvaním 1 hodina a 27 minút.

V skutočnosti je takýchto jemností oveľa viac. No mnohé z nich už vyžadujú hlboké znalosti réžie a kinematografie. To sú len jednoduché príklady, ktoré možno vidieť v mnohých filmoch. A pri prezeraní nasledujúceho obrázku vás určite zarazí „holandský kútik“alebo dlhý rám bez úprav. To však nezničí kúzlo kina, ale naopak, urobí sledovanie ešte zaujímavejším.